El espectáculo constituye un experimento en clave épica y romántica, en torno a los límites de la naturaleza humana, el deseo de libertad del hombre y su ansia secreta de emular a los dioses y penetrar los arcanos insondables de la vida y la muerte.

El montaje sigue paso a paso (con la brevedad y concisión necesarias) la novela de Mary Shelley, incluyendo aquellos aspectos menos divulgados como el despertar de la poderosa inteligencia de la criatura, sus amargas reflexiones, la desesperación vital y filosófica del doctor Frankestein, y el espejo en que éste se constituye para el ambicioso marino científico, el capitán Walton. Los aspectos más legendarios del mito de Frankenstein y su monstruo, alimentados por la factoría Universal, también están presentes, de modo que la obra bascula permanentemente de la reflexión al thriller gótico, de la meditación al
horror romántico.

En cuanto a los materiales dramáticos están tomados tanto de la novela de Mary Shelley, como de las distintas versiones teatrales realizadas entre 1823 y 1929, poco antes del rodaje de la mítica película de James Whale. Entre esas fuentes cabe citar Presumption, Le magicien et le monstre, The Man and the Monster y Frankenstein, an Adventure on the Macabre.

Debate entre personajes
La obra abre un debate intelectual entre varios personajes: un anarquista, un miembro del partido conservador, una feminista y el personaje de Poli Dori. Todos ellos observan y narran el desarrollo de la trama a la vez que avivan el debate sobre la ética de los temas científicos presentes en la trama, como la creación de la vida a partir de seres muertos, la clonación de seres vivos o el trabajo con células madre.

Así ocurrió en el momento en el que la novela salió publicada, ya que la creación de la vida a partir de la muerte era una obsesión de la época y, especialmente, del grupo de intelectuales que le rodeaban. Ya en su momento la repercusión de la obra tuvo diferentes lecturas de muy diversa índole, convirtiéndose en una referencia de la literatura universal.

La puesta en escena se remite en parte a la maquinaria del grand guignol, pero también al Sturm und Drang y a la desolada iconografía de los románticos ingleses y alemanes, con una permanente adscripción al regusto por la alternancia de lo monstruoso y lo sublime.